De la pintura al movimiento: El nacimiento de Writing Animations

Durante mi primera etapa en Berlín, continué desarrollando mi obra pictórica. Sin embargo, la progresiva falta de espacio me impidió seguir trabajando en los formatos habituales de pintura. Al tener que adaptar mi proceso creativo a las dimensiones de un simple escritorio, encontré en la animación 2D la vía de escape perfecta para seguir creando. Así nació Writing Animations, un proyecto concebido inicialmente como una forma de escribir animaciones; una manera directa de abocetar y registrar ideas para el futuro. Esta limitación espacial se transformó en una oportunidad que me permitió adentrarme de lleno en la técnica del stop motion y en la edición de vídeo. Al prescindir deliberadamente de un storyboard, este amalgama de secuencias —que en un principio podían parecer sin sentido— funcionaba como un registro puramente visceral. Expresaba las emociones del momento y la espontaneidad de un joven que encontraba en Berlín un mundo nuevo donde experimentar.

La ciudad en sí actuó como un gran catalizador visual y creativo. Aunque no llegué a conocerlo personalmente, la obra del reconocido artista italiano Blu dejó una fuerte impronta y marcó en gran medida la idea detrás de mi animación 2D. Asimismo, el entorno berlinés me abrió las puertas a conocer y colaborar con otros creadores residentes de notable trayectoria, sumando al proyectoentre otros a la artista visual Kalma y Paul Schenberg del colectivo Wisp y a los artistas sonoros Anna la Marciana y Martí Guillem, este último fue quien me introdujo en el maravilloso mundo de la música experimental y el noise en la ciudad.

Paralelamente, este proyecto marcó el inicio de mi carrera en la música experimental. La interacción con la imagen animada me llevó a trabajar en directo incorporando la improvisación a través del piano clásico, estableciendo así un diálogo indisoluble entre el gesto visual y la respuesta sonora.

POESÍA SINTÉTICA es un recital escondido en una rave o una rave ocupando un recital. Los textos de Elsa Moreno se funden con los sintetizadores de Sr.Charli en una atmósfera que viaja desde el ambient hasta el techno y el noise.

El espectáculo, marcadamente político, se compone de varias piezas sobre la poesía, sobre los hombres o sobre lo punk. Aprovechando ese estado de hipnosis, entre loops y sintetizadores, el dúo lanza sus respectivas bombas contra la figura del hombre, los medios de comunicación y la construcción del lenguaje. Como clama uno de los versos "Qué decir, si decir es crear el mundo y la única respuesta es verlo arder"

Collective for digital art & culture.
Leipzig, DE

Desde 2016 trabajamos juntos en la realización de proyectos culturales enfocados en las nuevas tecnologías, la filosofía y la experimentación visual y sonora. Laboratorios, festivales de arte y producciones escénicas. Actualmente estamos trabajando en la realización de un video-juego artístico enfocado en la utilización del hidrógeno en colaboración con la Universidad de Leipzig, Alemania.

Este ha sido uno de los mayores retos sonoros en los que he tenido el gusto de participar, no solo por el equipo tan maravilloso del que nos rodeamos sino por la fantástica dirección de una artista con tanta carrera por delante y con la energía de contar de una manera tan inténsa y abrumadora. Siempre me he sentido libre de tratar de interpretars sus palabras y sus gestos con sonidos.

La Hora Blanca es un recital, un concierto, una obra de teatro, un libro sin páginas, una pieza de danza con demasiado texto, un bosque, un lago, un ciervo. Los poemas del libro En un lugar limítrofe abandonan el papel para convertirse en un acontecimiento escénico. Desde la hora dorada del atardecer hasta los primeros rayos del alba, la voz poética atraviesa un bosque lleno de sombras. De ella tiran, por un lado, el deseo de una revolución de los afectos, y por el otro lado, el peso de la tradición romántica.

Ficha artística

Dirección, textos e intérprete: Elsa Moreno
Producción sonora y música en directo: Carles Pedrón
Acompañamiento en la dirección: Ana Sanahuja
Acompañamiento coreográfico: Juana Varela
Escenografía: Carla Cea
Iluminación: Carles Sanchís

Recopilación de temas o proyectos sonoros realizados por diferentes artistas a través de los sonidos recuperados en el piano de Paiporta, del músico Néstor Calderer. Piano arrasado tras el desastre de la Dana en Valencia, en 2024

info y escucha:
https://audiotalaia.bandcamp.com/album/corda-fang-samplers

Sinopsis

Voces de esparto que hacen memoria. La historia de un pueblo corre por la herencia de los motes. ¿Cuál es el margen que queda para construirse una identidad propia?

Ficha Artística

Creación: Sara Espinar, Elsa Moreno y Mariana Sofía Valero
Interpretación: Sara Espinar
Acompañamiento coreográfico: Mariana Sofía Valero
Dramaturgia: Elsa Moreno
Dirección de producción: Carlota Llorens
Producción i composición musical: Sr.Charli
Iluminación: Clara Castellano
Diseño y construcción de escenografía: Carla Cea
Vestuario: Feli Pérez
Voz lírica: Iris Almenara
Voz y textos en inglés: Elia Cervera
Voces de los audios: Vicenta López, Gabriel Asensi, María Marco, Milagros Sanchís
Postproducción de sonido: Martín Aguirre y Pablo Ojeda
Con el apoyo de: IVC y Circuito Bucles
Colaboradores: Espai La Granja, Ajuntament d'Alzira, A Contar Mentiras, Espai Inestable

DA-NA es un experimento, una instalación sonora que utiliza elementos orgánicos y electrónicos para explorar la relación entre el sonido, el cuerpo y el entorno. DA-NA es una crítica política que reflexiona sobre la responsabilidad de los dirigentes políticos, DA-NA cuestiona el sistema judicial, DA-NA es un grito de protesta y sobre todo es un homenaje a las víctimas y a todas aquellas personas que supimos ver la humanidad entre la tragedia y el lodo. DA-NA invita a reflexionar sobre nuestra conducta social y política, sobre la importancia de la empatía y la acción colectiva para construir un futuro más justo y sostenible.

La instalación se compone de varios elementos que interactuan entre sí: La pala llena de barro utilizada por el artista durante las semanas de liompieza en la Zona 0, un sistema de goteros con temporizador, estos contienen entre 36 y 40 litros de agua que representa el líquido contenido dentro de un cuerpo humano, un lienzo de madera en blanco bajo la pala que contiene un amplificador copn altavoces exiter para amplificar el goteo del barro que cae sobre el. Durante aproximadamente doce dias, el goteo del agua sobre la pala, limpia de barro a la vez que genera moho y putrefacción sobre ella, transformando el objeto y dejando caer el lodo sobre el lienzo amplificado generando una nueva obra a partir de la mancha generada sobre el lienzo blanco. DA-NA es una obra sobre mi experiencia personal y como esta ha cambiado por completo nuestras vidas.

Este proyecto es el resultado directo de la experiencia acumulada a lo largo de mi trayectoria, tanto en mi faceta de músico y compositor como en la de artista plástico. Esta doble vertiente me ha proporcionado una percepción técnica y sonora más dinámica, necesaria para abordar temas de mayor complejidad. La producción no ha seguido un calendario estricto; ha avanzado en distintas etapas fruto de la casualidad y la intuición, dándole un carácter más emocional, aunque siempre sostenido por un proceso científico imprescindible. El punto de partida consistió en interiorizar conceptos psicológicos y sociológicos mediante conversaciones con profesionales de estas materias. Esta base conecta directamente con el proyecto pictórico y documental que realicé en la Escuela de Bellas Artes de Dijon en 2007, donde investigué aspectos técnicos del color y entrevisté a personas en contextos alejados de su cotidianidad. Todo esto fundamenta el objetivo principal de la obra: la sensibilización sobre nuestro contexto sociopolítico actual. Visualmente, el espectador entra a la obra a través de animaciones en 2D, dibujos y pinturas hechas a mano que retratan mi experiencia, pero que se codifican para que cada persona pueda interpretarlas y hacerlas suyas. A nivel musical y conceptual, obras profundas como las de Max Richter han marcado el sentido social y emocional del proyecto. La composición investiga frecuencias sonoras capaces de alterar nuestras emociones, experimentando con instrumentos analógicos como el piano, sintetizadores y objetos sonoros creados para generar las estrategias descriptivas de esta instalación-performance audiovisual. Para estructurar este trabajo, se han analizado diferentes procesos sobre código y programación creativa. Traspasar por lo profundo y técnico de artistas conceptuales como Alva Noto ha marcado una línea más científica, y a través de creadores como John Cage se ha profundizado en la descontextualización, no solo de lo sonoro, sino también de lo visual. Esto ha generado la base para definir la parte reactiva del proyecto, permitiendo unificar lo analógico y lo digital, lo visual y lo sonoro. En definitiva, el proyecto se muestra como una encrucijada entre arte, sociología, tecnología y ciencia. Aunque aborda temas técnicos y científicos complejos, marca un punto fuerte en la sensibilización emocional del individuo desde un punto de vista anarco-emocional y crítico.

NEGRA

NEGRA es un proyecto de investigación artística desarrollado a lo largo de dos años en torno al color negro, entendido no solo como un valor cromático o una ausencia de luz, sino como un lenguaje plástico, una materia activa y un dispositivo de significación. Concebido originariamente durante mi proyecto final en la Ecole de Beaux Arts de Dijon, el proyecto se plantea como una reflexión introspectiva sobre la condición humana, tomando como punto de partida vivencias personales ligadas al acoso infantil. Sin embargo, el trauma no se aborda desde la literalidad, sino que se sublima poéticamente: la identidad se entiende como un proceso dinámico, inestable y relacional.

Lejos de concebirse como un color uniforme, el negro se revela aquí como un territorio sensible y variable. A partir de un riguroso proceso experimental, la obtención del color se logra a través de dos vías que dialogan entre sí: la compleja saturación y mezcla de los tres colores primarios, y la fabricación de pigmentos propios a partir de la carbonización de maderas de diferentes especies de árboles.

A nivel formal, la práctica se articula mediante una metodología transversal que integra pintura, ilustración, libro de artista y video-documentación. El trabajo pictórico se construye mediante la superposición de finas capas de color, con una lógica técnica próxima a la acuarela pero empleando óleo y medios mixtos. Esta acumulación progresiva de materia genera un fascinante juego perceptivo: a cierta distancia, la luz y la sombra sugieren apariencias reconocibles o casi figurativas; pero en la observación cercana, la imagen se fractura para revelar estructuras abstractas que remiten a mapas, relieves o formaciones topográficas.

Las obras operan así como retratos anónimos que eluden la representación figurativa directa para centrarse en estados internos, tensiones y manifestaciones del subconsciente. NEGRA deja de funcionar como un elemento descriptivo para convertirse en un espacio abierto de encuentro. Una tensión entre imagen y materia donde la oscuridad ilusoria invita al espectador a destapar, capa a capa, su propia memoria y percepción.

Carles Pedrón, conocido artísticamente como Sr. Charli (Valencia, 1982), es compositor, artista visual y gestor cultural. En 2007 presenta su primer proyecto conceptual en la Escuela de Bellas Artes de Dijon (Francia), con una mención de honor. En 2010 se traslada a Alemania, donde desarrolla de forma autodidacta su formación en animación 2D, improvisación pianística y composición electroacústica, configurando una práctica que integra creación sonora y visual mediante medios analógicos y digitales.

Ha participado en proyectos sociales y colectivos vinculados a la creación artística en Alemania. Además, es cofundador del espacio cultural Kontor-80 en Leipzig y miembro del colectivo Wisp, donde ha colaborar en proyectos de gestión cultural, improvisación sonora aplicada a la performance, proyectos audiovisuales de animación 2D experimental, programación creativa y diseño sonoro.

En 2022 se establece en Alboraia, donde desarrolla proyectos de experimentación sonora y composición escénica junto a la poeta Elsa Moreno y funda el colectivo Proyecto Nulo, orientado a la creación y gestión cultural colaborativa. Su primera iniciativa, Experimental Nulo, se centra en la producción y documentación en directo de propuestas audiovisuales experimentales.

Mediante técnicas de animación 2D dibujada a mano y sistemas programados, genera entornos visuales modificables en tiempo real a partir de frecuencias sonoras, con los que aborda problemáticas contemporáneas como la salud mental, el acoso y los procesos de autogestión, desde una perspectiva crítica y transformadora.

Esta metodología le permite construir un lenguaje híbrido en el que lo visual y lo sonoro dialogan para expresar emociones, tensiones internas y procesos de resiliencia, situando la fragilidad no como un punto final, sino como un punto de partida.

Propone al público una experiencia que trasciende la representación del dolor, incorporando dinámicas de reconstrucción, resistencia y cambio, en un espacio donde la tecnología y la expresión manual conviven entre lo íntimo y lo colectivo.

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